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第7部分（第1页）

源于法国的舞蹈；《小步舞曲》（Minuet）起源于法国优美而高雅的宫廷舞蹈；《萨拉班德》　（Sarabande）是西班牙的一种轻慢而矜持的舞蹈，起源于东方；《加沃特舞曲》（Gavotte）常伴有仿风笛音调的《缪赛特舞曲》（Musette）。所以在巴赫的初级钢琴曲集（俗称《小巴赫》）里，对于这第13首舞曲的名字，不同时期常常有不同的叫法。有时称为《风笛舞曲》，有时称为《加沃特舞曲》，有时又叫《缪赛特舞曲》。除此之外，还有源自著名的波兰民间舞的《波罗乃兹》舞曲；较欢快的《布列》舞曲（Bourree），以及情绪热烈、一般作为组曲结尾的《吉格》舞曲（Gigue）。以上提到的这些欧洲各国的舞曲，情绪、速度各不相同，风格各异，所以经常作为组曲的常用素材在室内乐的演奏中出现，当然随着不断地发展，后来序曲、进行曲等也加入进来，使室内乐的题材更加广泛。

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欣赏音乐　　感受艺术（2）

在室内乐演奏模式成型过程中，有一件特别有意义的事情，就是在巴赫影响之下转化而来的海顿弦乐四重奏。从1771年开始的第十七弦乐四重奏开始，海顿确立了四个乐章的结构形式，更重要的是在结构上开始运用奏鸣套曲的创作规则。它的影响深远，直至现在，无论是一百多人演奏的交响乐，还是四个人演奏的四重奏，抑或是由钢琴或小提琴等乐器演奏的奏鸣曲，在乐曲的结构和乐章的安排方面基本上都沿袭了这个套路。

和交响乐相比，室内乐的重奏有着细腻的表现力，又擅长旋律的歌唱性，各声部乐器的组合也更加精致，所以得以流传至今。海顿对室内乐的杰出贡献，被认为推动了欧洲社交活动的发展，在人类文明史册上翻开崭新的一页。

交响乐欣赏

文艺复兴时期，有了交响乐一说，当时泛指一切多声部的音乐，包括声乐和乐器。16世纪后，交响乐成为纯粹的器乐曲，并在音乐会上单独演奏，使交响乐得到发展。作为交响乐的曲式之一，“索纳塔”也就是奏鸣曲，开始只是泛指器乐作品，以区别于“康塔塔”（声乐曲），后来逐渐演变成越来越复杂的一种曲式结构，成为一种常用的套路规则，当然这种规则在使用时也会因人而异，有所不同，但万变不离其宗，并作为一种最复杂的曲式结构一直传承下来。它一般分为四个乐章，也有的作品是五个乐章，比如贝多芬的《田园交响曲》、柏辽兹的《幻想交响曲》等。每一个乐章的标准奏鸣曲式包括：Ⅰ．呈示部。有时前面有一段较慢的引子或序曲，通常通过主旋律体现出一到两个主题，并互相交映、弥补；Ⅱ．发展部，也叫展开部。它在呈示部主题的基础上进行自由发挥；Ⅲ．再现部。有点类似于第一部分呈示部，是呈示部的再次出现。奏鸣曲中四个乐章之间通常快慢交替，不同主题交相呼映，从而构成整部作品。通常奏鸣曲的四个乐章的曲式结构都比较复杂，也有些作曲家把第二、三乐章简化了一些，但即便如此，一首交响曲听下来也得花费四五十分钟，而听贝多芬的《第九交响曲》要花费一个多小时。

欣赏交响乐时，很多人心存疑虑，不明白花费那么长的时间，用那么多人来演释的作品，到底表达了什么？

不同于我们东方音乐比较注重旋律，西洋音乐的创作非常推崇和声与复调。从器乐曲到声乐曲，从宫廷音乐到宗教音乐，甚至在市井文化中都有充分的体现。不具备这样的欣赏基础，没有培养起这样的听觉习惯，可能也是我们在欣赏交响乐时不大适应的主要障碍所在。我们习惯于听一个旋律，而其他的伴奏声部都是陪衬，而赋格则不然。它的每个声部都有主题出现，每个声部都是主要的。或用同样一个主题，在不同调的不同位置上出现。我小的时候弹巴赫的二部、三部创意曲还没有太多的感受，等到后来弹奏五个声部的赋格，有时甚至觉得不完全是在弹奏，而像是在做一种高级智力游戏，将一个音乐的魔方掰来掰去，变幻无穷，趣味盎然。真想像不出来二百多年前的巴赫是如何用对位手法写出这些音乐的。“对位”手法是把声音当成几何图形、数字或是形象来创作的一种技法，借助于旋律的进行，有模仿、呼应、隐遁、对应、组合等不同的手法，并用严格的数学比例来发展蕴涵在主体中的各个要素，从而产生出一个十分复杂的结构。巴赫的赋格艺术表现出高精密度的复杂和严谨，不愧为音乐中的瑰宝和人类智慧的结晶。

如果说东方音乐通过旋律来勾画出楚楚动人的线条，那么西洋音乐则运用和声与复调来渲染大片的色彩，并通过音乐的不同层次构筑出一幅错落有致的立体画面。

当然用对位手法写的复调音乐也并不都像巴赫的四、五个声部那样繁复，以至于我们的耳朵都来不及接受和分辨。“卡农”这种形式就是对位法的一种基础技法，像冼星海创作的《黄河大合唱》中“风在吼，马在叫”的多声部轮唱，虽然简单，但此起彼伏、很有声势。除了轮唱，一些更复杂的复调性的歌曲像瞿希贤老师改编的东蒙民歌《牧歌》、黎英海先生改编的塔塔尔族民歌《在银色的月光下》等也逐渐被大众接受。

欣赏一部交响乐与欣赏文艺复兴时期达·芬奇、拉斐尔的画，米开朗基罗的雕塑，阅读曹雪芹的《红楼梦》、莎士比亚的《罗密欧与朱丽亚》等名著是一样的，你需要穿越时空、追溯历史，首先去了解作品所描写的时代背景、社会状况、重要事件的来龙去脉等等，这样才有一个欣赏的基础。因为所有艺术作品，都不会脱离时代而孤立存在，音乐也是如此。凡是一个时代伟大的艺术品，无不是在那个时代生活的土壤中深深地扎下根的，唯有这样，才能有顽强的生命力而得以流传。在反映不同时代的同时，艺术也在反映相通的情感，使我们从中聆听历史的脚步，寻觅人类的共鸣。所以，它既是历史的，又是现实的。而欣赏一些当代的艺术，包括流行音乐则容易多了，因为你就生活在这个时代，耳濡目染，很多东西无需再去了解了。

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欣赏音乐　　感受艺术（3）

曾经有年轻人问我：我们听现代流行歌、摇滚乐、音乐剧，看美国大片，电视连续剧……为什么还要听这些二三百年前的音乐？我回答：在欣赏现代音乐的同时，你是否了解这些音乐的各种元素都是从哪来的？它们是如何演变的？我们的文化、历史又是如何一步步发展过来的？要知道，我们现今所有的艺术成果都不是空中楼阁，也不是无源之水、无本之木。当我们爬上长城的烽火台，或是走进罗马的斗兽场，并非只是欣赏它壮丽和恢宏的建筑而赏心悦目，更多的是感受历史的厚重，回顾历史的发展和前人的足迹而从中汲取精神的养分。

交响乐的创立虽然年代久远，但作品中描绘的精神、情感以及自然风光、社会生活等与现实一脉相承，凭借心性去感受它，大多数人还是能够理解的，在今天仍有许多现实意义。以贝多芬为例。当他在写完海林根施塔特遗嘱后，顽强地向自己的命运挑战，“扼住了命运的咽喉”，写出催人奋进、在逆境中崛起的《英雄》和《命运》交响曲，这些传世之作以其非凡的力量跨越时空，使每个聆听它的人都为之震撼，获得勇气。而他的第六交响曲《田园》，则描绘了旖旎的田园风光，用长笛、双簧管和单簧管分别表现出夜莺、鹌鹑和布谷鸟的叫声，以及第二乐章的《溪畔景色》，都使听者体会到他对大自然的无比热爱。有人评论说这是一幅美妙绝伦的音画，而贝多芬却说：“《田园》与其说是音画，还不如说是感情的表现。”　因为当他在写遗嘱的这个地方——维也纳北郊、密林环绕的海林根施塔特，完成传世佳作《田园》时，已经完全失聪，那些美妙的鸟鸣声是他发自心底的对美好生活的无限眷恋。记得我在二十多年前第一次指挥这首交响曲时，尽管有的乐队队员并不投入，有人甚至把调号都演奏错了，但我仍深深地被它感动，尤其到了第五乐章的“牧人之歌”、“暴风雨后的愉快”和“感恩之情”，那种对大自然的赞颂之情从内心深处流淌出来，令人陶醉。贝多芬是一个满怀愁绪和痛苦，在现实生活中充满矛盾的人，但他从大自然中获取创作的灵感，而且把这种灵感化作音乐，让我们每个人从中得到启迪：热爱大自然、珍视生活、享受生活。

所以，贝多芬之所以伟大，被称为天才，是由于他把自己的哲学思想、理念，自己博大的人文精神通过交响乐的形式，史诗般形象地表现出来，而且在表现形式上不墨守陈规，极富创新精神地运用音乐中一切可调动的因素来为表现自己的思想理念服务。因此在听贝多芬的音乐时，我们并非只是去听优美动听的旋律，而是从中去体验一种精神，体验作者对人生的一种态度，感受他在黑暗中通过斗争走向光明的哲学思想，并从中汲取力量。

歌剧欣赏

对歌剧的欣赏，也会遇到欣赏古典音乐相同的问题：一部歌剧，动人心弦、琅琅上口的咏叹调只有那么几段，剩下的则不怎么好听，有的甚至像念经似的没有味道，我们该怎样去欣赏这冗长的全剧？

歌剧是一门综合艺术，她与纯音乐的形式不同。她有故事情节，有人物，还有戏剧表演、舞台美术等，因此，像所有戏剧一样，欣赏歌剧首先要了解歌剧的内容。

比如《茶花女》是法国作家小仲马的作品，由威尔第（1813……1901）创作成歌剧，描述了一个风尘女子的悲情生活；《卡门》则是法国作家梅里美的作品，描写了一个吉卜赛女郎的爱情，由比才（1838……1875）创作成歌剧。如果我们事先了解一下故事，会大致知道全剧的轮廓。

歌剧中人物间的对话，没有京剧的道白那样韵味十足。那些直白的、没什么旋律的演唱就是歌剧的道白，叫做宣叙调。而那些好听的、充满激情的唱段，是用来表现剧中主要人物情绪的咏叹调。比如《茶花女》第一幕有一段主角的大段咏叹调，表现了她向往幸福又对自己现状的无奈。《卡门》中的序曲、间奏曲及唱段都很有名，生动地表现剧情和人物，比如《斗牛士之歌》、《哈巴涅拉》等。

所谓好听、不好听，要具体分析。其实很多流行歌曲好听上口的也只是几句，但由于歌曲短小不为我们察觉。而歌剧这种舞台形式，要求有完整的剧情和一定的篇幅，通常场面恢弘，剧情错综复杂。剧作家为了完美地表达出他的想法，就要有一个整体的构思，既有低调的铺垫，又有高潮的迭起，才能做到整体的跌宕起伏。因此在欣赏的时候既要仔细地聆听其中的段落、乐句，又要宏观地、全局地来理解和欣赏，才不至于见木不见林。否则就会很茫然，找不到感觉，甚至有人看到一半就中途退场了。

因为文化背景不同，受到的教育和熏陶也不同，在西方听交响音乐会或歌剧，观众就有一个相对好的基础，对于他们观看音乐演出不仅仅是在欣赏音乐，还是一种传统的社交活动。尤其是听歌剧。能在富丽堂皇的剧院里，欣赏气势恢宏的舞台艺术，聆听动人心魄的歌唱，观赏精湛鲜丽的表演，感受现场阵容庞大的乐队带来的优美旋律，有什么比这更隆重、更愉悦呢？对西方人来讲，欣赏歌剧是一种高品位的享受，也是一种奢侈的艺术消费。2003年，我在维也纳看法国作曲家奥芬巴赫的《霍夫曼的故事》，坐在二楼包厢，位置并不特别好，但票价将近两百欧元，相当于人民币两千多元。所以，他们听歌剧就像迎接盛大的节日，不管男女从下午就开始做准备——选礼服、化妆、邀朋友，因为票是提前预定的，对这一天已经期盼很久了。歌剧开演前，衣冠楚楚的绅士和身着华贵晚礼服的女士们早已在大厅里谈笑风生了。整个歌剧中间休息两次，每次休息的时候，大厅中又聚集起一群群观众，一边举着香槟一边兴高采烈地交谈，评论着演员们的表现及乐队、布景等。

欣赏音乐　　感受艺术（4）

与此相比，国内的欣赏氛围就相去甚远。2004年，我应邀观看中央歌剧院的演出，由于事先没有节目单，原以为只是一部意大利作曲家莱翁卡瓦里的《丑角》，到了剧场才知道还有一部意大利作曲家玛斯卡尼的《乡村骑士》。于是像赶场似的，两部歌剧之间只休息了一会儿，由于每部剧幕间没有休息，观众只能等工作人员抓紧换布景后继续欣赏。论表演，两部剧都相当成功，剧中主角都很投入，均有上乘表现。只是时间过于紧凑了，完全可以一个晚上演一个。我对院长刘锡津说：“看你们的演出可真值，一个晚上能看两部歌剧名著……”他苦笑着说：“这不省得你再跑一趟了……”其实他们有他们的苦衷和无奈，一部歌剧辛辛苦苦排出来何尝不想多演几场，可是“拉到赞助就可以多演，拉不到就没办法了……”

歌剧是人类创造的一个非常宝贵的艺术种类，像我国的京剧一样，都是艺术高度凝练的结晶。它把多种艺术有机地结合在一起：声乐的独唱、重唱、合唱，器乐的独奏、重奏、合奏；戏剧表演，灯光、服饰、舞台美术等等，不仅具有极高的艺术价值，同时也有极强的感染力。不同于年轻人所喜爱的通过麦克传声的演唱或音乐，歌剧也好、交响乐也好，以及其它很多舞台艺术，它们有一点特别珍贵，就是你欣赏到的都是纯净的没有经过任何加工的人声和乐器固有的原声。现在，很多音响发烧友不惜花费重金构建自己的家庭音响，目的就是为了追求更加接近现场原声的逼真效果。

尽管有时一些大型音乐会或歌剧的演出，选用人民大会堂或体育馆等大型场馆，但那是为了满足更多观众的需求，不得已而为之的办法。因为偌大的会场即便使用再好的扩音设备，听起来也都是经过加工、失真的电声音乐，更何况音响上常存在着明显的不平衡。对于一般观众来说，尚可以通过这类演出感受现场，从而加深对严肃音乐的了解，而对于追求声音品质的人来讲就往往难以接受了。

如果你不断加深对歌剧的了解，就会渐渐爱上它。每当我看歌剧的时候，都会禁不住被它的剧情和令人震撼的唱腔深深吸引和打动，甚至热泪盈眶，我想很多热爱歌剧的人都会与我有相同的感受。尽管深受感染的观众不乏其人，但不解其意、中途退场的观众也大有人在。想想也怨不得他们，毕竟这些都是舶来品，观众缺乏欣赏基础，我们的艺术普及工作做得又不够到位，总是将它放在象牙塔中供少数人享受。久而久之，艺术之树就有些枯萎。因此，培养观众、提高他们的欣赏水平，是音乐工作者面临的重大问题。

亲临现场感受艺术

艺术修养和艺术欣赏习惯的培养需要一种良好的艺术氛围，同时也需要良好的心态，过于浮躁是无法领悟艺术真谛的。只有平和与热爱生活的心态，才是传承艺术的最佳土壤，只有物质和精神同步的成长才是最健康的发展。然而，今天信息时代的人们整日忙忙碌碌，头绪万千，很多人不知不觉忽略了精神上的需求。有人问我，怎么才能静下来欣赏交响乐？我会反问：你是否能松弛下来，是否能进入休闲的状态，是否感受到心灵的宁静？如果你不能进入状态，又怎么能安静地坐下来?

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